X

Places for Deliberation. Barbara Kozłowska

urodziłam się w polsce wystawiałam dużo i zawsze tam gdzie nie chciałam wystawiać tam gdzie chciałabym wystawiać nigdy nie wystawiałam wyjeżdżałam podróżowałam występowałam wyjeżdżałam tam gdzie chciałam wyjechać z ważnych artystycznych powodów podróżowałam wszystkimi dostępnymi środkami lokomocji jak najdalej występowałam na plażach w galeriach i na video budowałam przenosiłam powtarzałam coś tam budowałam modele teoretyczne pojęć jakichś tam przenosiłam linię graniczną na księżyc i gdzieś tam powtarzałam zawsze te same banalne zdania o sztuce i rzeczywistości albo zawsze tę samą banalną prawdę o sztuce pisałam oczywistości o czymś tam brałam udział w wystawach w polsce rumunii wielkiej brytanii włoszech jugosławii podróżowałam na syberię do wielkiej brytanii na maltę do włoch jugosławii francji

To głos Barbary Kozłowskiej (1940-2008) o niej samej. W takiej właśnie formie jako swego rodzaju tekst-obiekt, autobiogram często towarzyszył jej wystawom. Mówi o sprawach dla artystki najważniejszych: ruchu, podróży, przestrzeni i jej swobodnemu przemierzaniu.

Barbara Kozłowska była jedną z prekursorek sztuki performance w Polsce, uczestniczką wrocławskiej sceny awangardowej, którą można uznać za jedno z najbardziej żywych i progresywnych miejsc na mapie regionu w tamtym okresie. Choć ukończyła Wydział Ceramiki (w pracowni malarstwa architektonicznego), szybko porzuciła tradycyjne media i skoncentrowała się na działaniach efemerycznych.

Kozłowska urodziła się w Tarnobrzegu, gdzie jej rodzina znalazła się w wyniku przymusowego przesiedlenia po rozpoczęciu się II wojny światowej. Wojna brutalnie naznaczyła życie Kozłowskiej – w 1940 r. zginął w obozie koncentracyjnym w Dachau jej ojciec, do obozu trafił także jeden z jej braci, zaangażowany w działalność opozycyjną. Artystka miała zawsze w pamięci trudny początek życia i późniejsze powojenne lata, miała także świadomość wpływu wielkiej, okrutnej polityki na życie jednostki. Buntowała się przeciwko życiu w totalitarnym kraju, który ograniczał jej możliwość swobodnego podróżowania i decydowania o sobie. Podróż, którą Kozłowska utożsamiała z wolnością, stała się osią jej twórczości, działaniem konceptualnym, które przełożyło się na realizowaną przez wiele lat pracę Linia graniczna. Kozłowska od 1967 r. wyznaczała punkty na kuli ziemskiej, kreśląc linię, która w jej zamierzeniu, miała biec przez kulę ziemską do księżyca. Robiła to, pokonując formalne i polityczne trudności i odwiedzając różne miejsca, po to, by na plażach świata usypywać z piasku lub układać z kamieni stożki lub po prostu zdokumentować swoją obecność. Bogaty materiał z tych podróży: zdjęcia, mapy, ale także np. bilety kolejowe lub lotnicze, notatki robione na restauracyjnych serwetkach, włączała jako część tej pracy. Miała szczególne, świadome podejście do dokumentacji działań artystycznych, traktując ją jako pełnoprawny element pracy. Odzwierciedleniem tej sytuacji jest jej bogate archiwum, zawierające także liczne wersje jej biogramów, które również można uznać za rodzaj artystycznego działania. Pisanie własnych wersji swojego życiorysu można uznać za gest emancypacyjny. Takich nie brakowało w twórczości Kozłowskiej, artystki określającej swoje miejsce i zaznaczającej swoją odrębność poprzez działania performatywne. Tak było w przypadku pracy „Arytmia” (1980), w której, poprzez wskazywanie poszczególnych części ciała, artystka określała swoją tożsamość płciową, czy w przypadku pracy „Punkt widzenia” (1978), performansu wykonanego z udziałem kamer wideo, w ramach którego Kozłowska oznaczyła swoją obecność w przestrzeni. Gest ten może być oczywiście odczytywany symbolicznie jako metafora odnajdywania własnego miejsca w polu polskiej sztuki, zdominowanego przez artystów mężczyzn.

Choć Kozłowska stanowczo odżegnywała się od feminizmu, jej prace są dziś jednymi z bardziej wyrazistych kobiecych i jednocześnie uniwersalnych gestów w polskiej sztuce, które dziś mogą być odczytane na nowo.

Wystawa „Places for Deliberation” Barbary Kozłowskiej jest pierwszą prezentacją tej artystki w Słowenii. Prezentowane są na niej wybrane najważniejsze prace artystki z jej prywatnego archiwum przechowywanego nadal we Wrocławiu.

Fotorelacja z otwarcia wystawy „Places for Deliberation” Barbary Kozłowskiej

 

Galeria zdjęć z wystawy „Places for Deliberation”, fot. Nada Žgank

GET-STANKIEWICZ W FOTOGRAFII JACKA SAMOTUSA – WYSTAWA W RAMACH JATKOWISKA 2025

Zapraszamy na wystawę fotografii Jacka Samotusa która odbędzie się 21 czerwca w Galerii Arts and Prints podczas Jatkowiska 2025 – święta sztuki i wspólnoty artystycznej na ul. Jatki.

 

 

 

Jatkowisko 2025 – święto sztuki i wspólnoty artystycznej na ul. Jatki.

PROGRAM
12.00 – Uroczyste otwarcie Jatkowiska 2025 przez Zarząd ZPAP
12.00–17.00 – Papierowe regaty / kanał na Jatkach
12.00–17.00 – „Zaklinacz Marzeń” / happening
Wernisaże w galeriach:
13.00 Galeria BB – „SZKLANE NIEZNANE. PROJEKTANCI KROSNA.
Wszewłod Sarnecki, Jan Siedlecki, Beata Szajna
13.30 Galeria Versus – „folwark zwierzęcy” Marcin Makarewicz
14.00 Galeria Domus – wernisaż rysunków Michała Jędrzejewskiego
14.30 wernisaż malowanych słupków laureatów Nagród Roku / galeria uliczna
15.00 Galeria Tętno – „wild thing” kolektyw Lepsze Miejsce
15.30 Galeria Arts and Prints – Get-Stankiewicz w fotografii Jacka Samotusa
„druga odsłona”
16.00 Galeria Tkacka – wernisaż Pani Ewy Zajler-Płatek
14.00–16.00 – Warsztaty malarskie
14.00–18.00 – Biesiada / spotkanie członków i przyjaciół ZPAP
Muzyka na żywo – Anna Komala (kontrabas)
 „Wspomnienia Jatkowisk” / wystawa fotograficzna

18.00 – Zakończenie wydarzenia

Obecność. Maria Michałowska

Obecność. Maria Michałowska
Fundacja Arton

Foksal 11/4, Warszawa
Termin wystawy: 26.04–25.05.2025

Organizatorzy:
Fundacja Arton
www.fundacjaarton.pl
Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu – Instytucja Kultury Samorządu Województwa Dolnośląskiego
https://okis.pl

Kuratorka: Marika Kuźmicz
Inicjatorzy wystaw Marii Michałowskiej: Agnieszka Chodysz-Foryś, Igor Wójcik
Współpraca: Agnieszka Chodysz-Foryś, Adam Parol

„I znów to samo. Niemożliwa do uchwycenia, niknąca i pozostająca obecność”. W taki sposób pisał o twórczości Marii Michałowskiej Maciej Gutowski, w jej katalogu wydanym w 1978 roku, dotykając właściwie sedna twórczości artystki. Na okładce publikacji zreprodukowano jedną z fotograficznych kompozycji z cyklu Obecność, kluczowego w twórczości Michałowskiej, rozwijanego przez autorkę od połowy lat 70. Na tę pracę składa się sekwencja czarno-białych zdjęć: na części z nich zdokumentowano pejzaże, na dwóch ukazana została postać samej artystki, widoczna na tle leśnego krajobrazu, natomiast na jednym ze zdjęć pojawiło się samo słowo „obecność”, podkreślające ten gest „ujawnienia” przez Michałowską własnego wizerunku w swojej twórczości. Poprzedzające go prace są wyrazem uważnego eksplorowania różnych miejsc, katalogowania trawy, lasu, wody czy skał za pomocą aparatu fotograficznego, tak jakby autorka starała się uważnie rozpoznać miejsca, w których przyszło jej się znaleźć, po to, by poznać swoją relację ze światem.

Jeszcze wcześniej, na początku lat 70. Michałowska zaczęła pracę nad rysunkowymi cyklami Multiplikacje, Autoportrety (1972), Ślady (1972) czy Przekształcenia (1973). Łączył je motyw profilu twarzy lub odrys dłoni artystki, sprowadzony do formy zwielokrotnionego znaku, linii, która dzięki powieleniu daje określone efekty estetyczne. W tych dziełach Michałowska jednocześnie jest widoczna dla odbiorcy i ukrywa się przed nim, jej obecność jest paradoksalna, bo zredukowana. Gdy przyjrzymy się im uważniej, dostrzeżemy w nich także obecność innych osób, w tym jej studentów, przyjaciół, jej wieloletniego partnera Zdzisława Jurkiewicza, których artystka zapraszała do współtworzenia jej prac. We wspomnieniach zachował się zwyczaj zapraszania przez nią do pracowni różnych osób, których dłonie lub kontury profilów twarzy odrysowywała na papierze, tworząc rodzaj intymnego pamiętnika z udziałem tych, którzy współtworzyli jej rzeczywistość.

Szczególnym ujęciem własnej obecności w kontekście płynącego czasu oraz interakcji z innymi osobami jest praca Jeden tydzień z 1970 roku, którą Michałowska realizowała podczas jednego z plenerów w Osiekach. Wydrukowała powiększone kartki z kalendarza i rozmieściła je w różnych miejscach na terenie ośrodka, gdzie przebywali wówczas artyści, oraz w otaczającym go krajobrazie, uzyskując symboliczny i metafizyczny obraz relacji, które zawiązujemy i które składają się na naszą wspólną egzystencję.

Niewykluczone, że przez pryzmat tych prac można próbować odczytać także obecny status twórczości Michałowskiej, która była aktywna przez wiele dekad w polu wrocławskiej awangardy, niemniej nie doczekała się za życia wystawy retrospektywnej. Jej prace, choć znajdują się w licznych muzealnych kolekcjach, nieczęsto są eksponowane. Choć jej nazwisko jest obecne w zbiorowych opracowaniach dotyczących sztuki lat 60. i 70. – jej twórczość jest nadal otwarta na interpretacje i wymagająca poznania. Wystawa w Fundacji Arton zorganizowana we współpracy z Ośrodkiem Kultury i Sztuki we Wrocławiu stwarza ku temu okazję, będąc jednocześnie przyczynkiem do opracowania prywatnego archiwum artystki.

Maria Michałowska (31 maja 1925 – 1 września 2018) urodziła się w Brzeżanach (obecnie Ukraina). Od 1929 do 1944 roku mieszkała z rodziną w Warszawie, w latach 1945–1947 zaś w Krakowie, gdzie studiowała polonistykę i filologię angielską na Uniwersytecie Jagiellońskim. Od 1947 roku była związana z Wrocławiem, a od 1951 do 1957 roku studiowała w tamtejszej Państwowej Szkole Sztuk Plastycznych w pracowniach prof. Eugeniusza Gepperta i prof. Stanisława Pękalskiego. Od 1958 roku pracowała jako wykładowczyni w Katedrze Rysunku, Malarstwa i Rzeźby na Wydziale Architektury Politechniki Wrocławskiej (od 1982 roku zatrudniona na stanowisku docenta tej uczelni, w 1991 roku otrzymała tytuł profesorski). W 1965 roku została uczestniczką Szkoły Wrocławskiej (potem Grupy Wrocławskiej), a dwa lata później zaczęła pełnić funkcję sekretarza grupy i koordynować wystawy organizowane poza Wrocławiem. Przez ponad pięć dekad była aktywną współtwórczynią środowiska wrocławskiej awangardy. Uczestniczyła w najważniejszych, przełomowych dla polskiej sztuki wydarzeniach, takich jak Sympozjum Plastyczne „Wrocław ‘70”, wystawa SP. Sztuka Pojęciowa (1970), Międzynarodowe Spotkania Artystów, Naukowców i Teoretyków Sztuki w Osiekach (1967) czy „Atelier 72” w Edynburgu (1972). Miała kilkanaście ekspozycji indywidualnych, brała udział w kilkudziesięciu wystawach zbiorowych w Polsce i za granicą.

Wystawie towarzyszy monograficzna książka o twórczości Marii Michałowskiej pod red. Mariki Kuźmicz z tekstami Mariki Kuźmicz, Luizy Nader, Małgorzaty Devosges-Cuber, Małgorzaty Miśniakiewicz, wydana w 2024 roku przez Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu.

 

 

Dofinansowano z budżetu Samorządu Województwa Dolnośląskiego

KRUCHE KSZTAŁTY WYOBRAŹNI. Kolorowe dekady polskiego szkła. Horbowy – Dajewska – Illo – Łabiński – Wójcik

Pięć indywidualnych wystawy pod wspólną nazwą: KRUCHE KSZTAŁTY WYOBRAŹNI. Kolorowe dekady polskiego szkła prezentują twórczość cenionych polskich artystów: Zbigniewa Horbowego, Igora Wójcika, Małgorzaty Dajewskiej, Mariusza Łabińskiego oraz Patrika Illo – słowackiego designera zawodowo związanego z polskimi hutami szkła.

W twórczości tychże twórców możemy dostrzec główne założenia tzw. wrocławskiej szkoły szkła oraz podążanie za ideą dydaktyczną nestora polskiego szkła i nauczyciela akademickiego Zbigniewa Horbowego, który promował nieskrępowaną pomysłowość technologiczną, odwagę i konsekwencję w podążaniu własną, oryginalną drogą twórczą.

Zbigniew Horbowy (1935 – 2019) był jednym z pierwszych absolwentów – powołanego w 1952 w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych – Wydziału Szkła. Bezsprzecznie stał się głównym reformatorem w zakresie projektowania i produkcji szkła, czemu sprzyjała ścisła współpraca z technologami i hutnikami. Efektem tego było wypracowanie własnej szkoły wzorniczej. Jako jeden z pierwszych artystów szkła przestał nawiązywać do tradycyjnych wzorów. Jego prace cechuje wyrafinowana, autorska forma i odważna kolorystyka.

Małgorzata Dajewska (ur. 1958) ukończyła Państwową Wyższą Szkołę Sztuk Plastycznych we Wrocławiu w 1982. Ta bliska współpracowniczka Horbowego jest od 1984 zatrudniona jako wykładowczyni we wrocławskiej Katedrze Szkła. Już na początku swej samodzielnej drogi twórczej zajęła się obróbką szkła „na zimno”, stając się w Polsce pionierką i popularyzatorką tej techniki. Prace Dajewskiej cechuje subtelność formy i zdecydowana kolorystyka. Jej szklane rzeźby to nie tylko pochodna talentu artystki i jej oryginalnej metody twórczej, ale także poetyckiej wrażliwości i potrzeby wyrażania różnych emocji za pomocą realizowanych obiektów.

Mariusz Łabiński (ur. 1967) uzyskał dyplom w na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu w pracowni prof. Zbigniewa Horbowego i prof. Małgorzaty Dajewskiej (1993), natomiast tytuł doktora w 2003. 2006-2008 oraz 2014 – 2016 był kierownikiem Katedry Szkła w macierzystej uczelni. W unikatowych, hutniczych technikach formowania szkła na gorąco (z elementami szlifu) projektant tworzy wyrafinowane, zdecydowane w formie autorskie serie szkła użytkowego, z których najbardziej znany jest zestaw kieliszków „Wściekły Pies” i pogodne, ekspresyjne kolorystycznie naczynia, nazywane Karafami Kandinsky’ego. Artysta często wyraża się humorem, hiperbolą, kontekstualną grą, unikając przy tym zarówno intelektualnej pozy, jak i dosłowności. Jego projekty są niezwykle odważne, nieraz na tyle niespotykane, że aż prekursorskie.

Igor Wójcik (ur. 1968) absolwent Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu (1993). Ten interdyscyplinarny artysta prezentuje biegunowo odmienne podejście do inspiracji bezpośrednio zaczerpniętych ze świata realnego. Dla Wójcika świat rzeczywisty w swym wymiarze biologicznym jak i mechanicznym (w granicach znanej nam realności wykoncypowany), jak i jego widoki z obszaru mikro- i makroprzestrzeni stają się punktem wyjścia dla powoływanych przez artystę do istnienia fantastycznych bytów w ramach realizowanego od początku lat 90. ubiegłego stulecia cyklu Mechabiotylae. To połączenie rzeczywistości biologicznej i mechanicznej w stworzonych artefaktach szklanym, ale także malarskich następuję jak sam twórca twierdzi drogą tzw. intuicjonizmu spekulatywnego (jego autorskiej teorii sztuki).

Patrik Illo (ur. 1973) ceniony i znany na całym świecie słowacki projektant szkła oraz popularyzator tej dyscypliny artystycznej. Studiował na Wydziale Szkła Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych w Bratysławie. Jego projekty z charakterystycznym oryginalnym i wyrafinowanym detalem, są zarówno efektowne, jak i efektywne. Prace tego słowackiego projektanta cechują się racjonalną poetyką, a nacisk kładziony jest na elegancję kształtów i pomysłowe detale. Nie boi się przy tym ani przejaskrawień, ani dowcipu czy kontekstualnego kontrastu, co nadaje jego twórczości indywidualnego wyrazu. Na wystawie prezentowane są jego prace powstałe w polskiej Hucie Szkła w Krośnie, której w latach 2006-2009 był głównym projektantem.

Zaprezentowane na wystawie prace – zarówno te, którą mogą pełnić funkcję użytkową, jak i szklane rzeźby – cechuje odwaga, zdecydowanie, szlachetność kształtu i kolorów, co wynika nie tylko z wypracowanej przez artystów estetycznej koncepcji, ale również z przekonania, że szkło samo w sobie jest inspirującym tworzywem, zaś powrót do tradycyjnych obróbek i konsekwentne decyzje dotyczące wyglądu formy może wzmocnić siłę artystycznego wyrazu, nadając sztuce w pełni rozpoznawalny, autorski i indywidualny znak – twórczy styl artysty.

dr Manfred Bator

„Kruche kształty wyobraźni. Kolorowe dekady polskiego szkła”
Zbigniew Horbowy (PL)
Małgorzata Dajewska (PL)
Mariusz Łabiński (PL)
Igor Wójcik (PL)
Patrik Illo (SK) – kolekcje powstałe dla polskich hut szkła

Miejsce: Słowackie Muzeum Narodowe/ Vajanského nábrežie 2 / Bratysława
Termin wystawy: 11.04.- 7.09.2025
Wernisaż: 10.04.2025, godz. 17:30

Organizatorzy: Polski Instytut w Bratysławie, Słowackie Muzeum Narodowe, Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu

Kuratorzy:
Patrik Illo (SK)
Mariusz Łabiński (PL)

Architekt wystawy: Michal Illo

 

 

 

 

 

„Inne trzy. Młode polskie szkło” wystawa w Bratysławie

„Inne trzy. Młode polskie szkło” wystawa, na której zaprezentowane zostaną prace stworzone przez artystki należące do najmłodszego pokolenia polskich projektantów szkła: Julię Ciułek, Justynę Dżaman oraz Katarzynę Pilic.

Termin wystawy: 11.04-7.09.2025
Wernisaż: 10.04.2025, godz. 17:30
Kurator: Mariusz Łabiński
Architekt wystawy: Michal Illo

 

Julia Ciułek

W 2023 obroniła z wyróżnieniem dyplom licencjacki na kierunku Sztuka i Wzornictwo Szkła na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, gdzie obecnie kontynuuje studia magisterskie. Jej prace były prezentowane na licznych wystawach w Polsce i za granicą, m.in. w Czechach, Niemczech, Słowacji i Stanach Zjednoczonych. Zdobyła III miejsce na międzynarodowej wystawie EVOLUTION 2024, organizowanej przez Glass Art. Society, oraz II miejsce, srebrną paletę i wyróżnienie laureatów w konkursie Inspiracje 2024. Była również jedyną polską artystką, której praca została zakwalifikowana do prestiżowej wystawy Stanislav Libenský Award 2024 w Pradze. Brała udział w około 30 wystawach zbiorowych oraz międzynarodowych licznych sympozjach poświęconych sztuce szkła. Jej twórczość jest głęboko zakorzeniona w rzeczywistości, którą codziennie obserwuje. Stanowi refleksję nad trudnościami, z jakimi mierzy się nie tylko ona sama, ale także jej bliscy i społeczność, w której funkcjonuje. Artystka świadomie rejestruje i analizuje nierówności, systemowe niesprawiedliwości oraz złożone problemy społeczne, które kształtują współczesny świat.

 

Justyna Dżaman

Młoda artystka, designerka, studentka Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu na kierunku Sztuka i Wzornictwo szkła. W swoich działaniach skupia się przede wszystkim na poszukiwaniu ciekawych form, mieszaniu się kolorów i eksperymentach. Uparcie dąży do poszerzania swojej wiedzy oraz umiejętności. Stawia na nieoczywiste połączenia, a jej nowatorskie spojrzenie na polskie wzornictwo, pozwala jej na kreowanie nierzadko popartych historią przedmiotów. Nie boi się pracy z różnymi materiałami, lubi posiłkować się wiedzą bardziej doświadczonych artystów i rzemieślników, oraz współpracować z nimi. Jej nazwisko niejednokrotnie pojawia się na międzynarodowych i krajowych wydarzeniach, czy wystawach, w których z zaangażowaniem bierze udział.

 

Katarzyna Pilic

Utalentowana artystka i projektantka, której pasja do sztuki i rzemiosła przejawia się w jej wieloaspektowej twórczości. W 2022 roku obroniła dyplom magisterski na Wydziale Ceramiki i Szkła Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, gdzie zdobyła solidne podstawy teoretyczne i praktyczne w zakresie projektowania szkła. Od 2023 roku Katarzyna pracuje w renomowanej hucie szkła artystycznego w Szklarskiej Porębie, gdzie ma okazję rozwijać swoje umiejętności oraz realizować autorskie projekty. Jej prace charakteryzują się unikalnym połączeniem estetyki i funkcjonalności, co sprawia, że szkło użytkowe staje się nie tylko przedmiotem codziennego użytku, ale również dziełem sztuki. Katarzyna nie ogranicza się jedynie do projektowania szkła. Jej twórczość obejmuje także tworzenie grafik i ilustracji, a także różnorodne formy grafiki użytkowej. Dzięki swojej wszechstronności potrafi łączyć różne techniki i materiały, co czyni jej prace jeszcze bardziej interesującymi i oryginalnymi. Jednym z jej wyjątkowych hobby jest tkactwo. Katarzyna z pasją tka kilimy i dywany, co pozwala jej na eksplorację nowych form wyrazu artystycznego. Ta umiejętność dodaje jej twórczości głębi oraz pokazuje, jak różnorodne są jej zainteresowania i umiejętności.

Organizatorzy:

Słowackie Muzeum Narodowe, Instytut Polski w Bratysławie, Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu – Instytucja Kultury Samorządu Województwa Dolnośląskiego

 

Projekt został dofinansowany z budżetu Samorządu Województwa Dolnośląskiego

 

Polskie szkło artystyczne w Bratysławie

Od 10 kwietnia do 7 września 2025 roku będzie można obejrzeć kilka wystaw czołowych polskich twórców szkła artystycznego w słowackiej stolicy Bratysławie. Ekspozycje pozwolą zapoznać się międzynarodowej publiczności z polskim fenomenem sztuki szkła. Artyści zaprezentują na nich nowoczesny design oraz dzieła rzeźbiarskie wykonane w tradycyjnych i innowacyjnych technikach. Będzie to również historyczny przekrój trendów począwszy od prof. Zbigniewa Horbowego oraz jego uczniów po współczesnych studentów biorących udział w projekcie Dolnośląskiego  Sympozjum Szkła Artystycznego e-Glass Festival. Wystawy tworzą wymierną i spójną opowieść o historii i transformacji polskiego szkła, a także o jego rewolucyjnym i wielowymiarowym charakterze.

 

 

W ramach prezentacji polskich twórców szkła w Bratysławie będzie można zobaczyć:

Pięć wystaw indywidualnych: „KRUCHE KSZTAŁTY WYOBRAŹNI. Kolorowe dekady polskiego szkła. HORBOWY – DAJEWSKA – ILLO – ŁABIŃSKI – WÓJCIK”

Miejsce: Słowackie Muzeum Narodowe/ Vajanského nábrežie 2 / Bratysława
Termin wystawy: 11.04.-7.09.2025
Wernisaż: 10.04.2025, godz. 17:30
Organizatorzy: Polski Instytut w Bratysławie,  Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu – Instytucja Kultury Samorządu Województwa Dolnośląskiego, Słowackie Muzeum Narodowe

 

 

Wystawę zbiorową najmłodszego pokolenia polskich twórczyń pn.: „INNE TRZY. Młode polskie szkło”

Miejsce: Polski Instytut w Bratysławie/ Nam SNP 27 / Bratysława
Termin wystawy: 11.04-7.09.2025
Wernisaż: 10.04.2025, godz. 17:30
Kurator: Mariusz Łabiński
Architekt wystawy: Michal Illo
Organizatorzy: Polski Instytut w Bratysławie, Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu – Instytucja Kultury Samorządu Województwa Dolnośląskiego, Słowackie Muzeum Narodowe

 

Wystawę zbiorową „Glass without Borders”

Miejsce: Polski Instytut w Bratysławie/ Nam SNP 27 / Bratysława
Termin wystawy: 11.04– 23.05.2025
Wernisaż: 10.04. 2025, godz. 16:00
Organizatorzy: Polski Instytut w Bratysławie, Ośrodek Kultury i Sztuki we Wrocławiu – Instytucja Kultury Samorządu Województwa Dolnośląskiego

 

 

 

 

Finisaż wystawy „GLASS WITHOUT BORDERS”

Zapraszamy na finisaż wystawy „Glass without Borders”, prezentującej prace międzynarodowej grupy uczestników ostatniej edycji Dolnośląskich Warsztatów i Sympozjum Szkła Artystycznego i Designu e-Glass Festival, który odbył się w Szklarskiej Porębie w roku 2024. Festiwal promuje sztukę szklaną jako medium artystyczne o globalnym znaczeniu i skupia się na międzynarodowej współpracy twórców poprzez organizację wystaw, warsztatów w hutach i innych wydarzeń związanych z designem szkła. Celem projektu e-Glass Festival jest budowanie dialogu międzykulturowego oraz prezentacja szkła jako jednej z ciekawszych form sztuki współczesnej, wpisanej w tradycję kulturową Dolnego Śląska.

Podczas spotkania odbędzie się promocja katalogu zawierającego teksty krytyczne o szklanych rzeźbach, zdjęcia z  festiwalu, a także informacje o artystkach i artystach.

Wystawa pn. „Glass without Borders” powstała w ramach projektu Glass without Borders. Dolnośląskie Warsztaty i Sympozjum Szkła Artystycznego i Designu

Data wystawy: 21.02.2025 – 4.04.2025
Data finisażu: 2 kwietnia 2025, godz. 10.00
Miejsce : Centrum Dziedzictwa Szkła w Krośnie, ul. Blich 2

 

 

TOMASZ DOMAŃSKI „Obraz nie Obraz” w BWA w Rzeszowie

W swoich „obrazach nie obrazach” Tomasz Domański bada treściowy i kreacyjny potencjał materii. W tym obszarze swojej artystycznej praktyki korzysta on bowiem z niezwykle bogatego i różnorodnego spektrum tworzyw. Poddaje twórczemu recyklingowi substancje i przedmioty, uchodzące za bezwartościowe. W obszarze jego zainteresowań znajdują się więc organiczne odpadki, szczątki, przypadkowo znalezione wytwory natury, zużyte produkty czy artefakty uprzemysłowionego, miejskiego życia. Podnosząc do rangi sztuki materię poślednią, artysta poniekąd uwzniośla to, co banalne, odrzucone i uznane za bezużyteczne.Rzeźbiarski sposób patrzenia na obraz oraz bezwzględne zawierzenie narracyjnej sile tworzywa sytuuje ten obszar twórczej działalności Domańskiego na styku takich zjawisk artystycznych, jak arte povera (sztuka uboga) oraz malarstwo materii. Podobnie bowiem, jak w przypadku obu tych nurtów, w „obrazach nie obrazach” to właśnie materiał jest właściwym nośnikiem treści – samoistnym medium, które już w samej swojej symbolice lub skojarzeniowym uwikłaniu kształtuje specyfikę przekazu. Włączanie pozornie bezwartościowej materii w artystyczny kontekst nosi w sobie pierwiastek jej rytualnego przywracania do życia. U podstaw tej twórczej praktyki leży afirmatywna postawa Domańskiego wobec kategorii czasu pojmowanego w sposób cykliczny. Odnosi się on w ten sposób do kolistego rytmu natury z jej naprzemiennymi cyklami narodzin i śmierci. Chociaż więc twórca wypowiada się z pozycji mimowolnego przedstawiciela antropocentrycznej cywilizacji, za pośrednictwem swojej sztuki stara się on odtworzyć stan duchowej harmonii i pełni, na który pozwala kontakt z przyrodą, a który w naszej stechnicyzowanej i zindustrializowanej epoce jest niezwykle utrudniony. Dodatkowo, eksplorując symboliczno-magiczną wymowę wykorzystywanych przez siebie surowców i przedmiotów, Domański niejako nakłada na siebie rolę mistyka rytualnie integrującego ze sobą odległe od siebie uniwersum pragmatycznej i szybkiej współczesności oraz uduchowiony świat natury.

Katarzyna Zahorska

Tomasz Domański (ur. 1962). Studiował w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, gdzie w 1993 roku uzyskał dyplom z wyróżnieniem w dyscyplinie rzeźba. W 2003 roku obronił doktorat na temat rzeźby efemerycznej jako monumentu relatywnego. Jest autorem rzeźb, instalacji, obiektów artystycznych, performansów, rysunków i fotografii. Pracuje przeważnie z naturalnymi materiałami takimi jak woda, lód, ogień, drewno, słoma, popiół i metal, wykorzystując ich właściwe procesy. Tworzy filmy i animacje jako integralne elementy wielu realizacji artystycznych.

Nagrody, stypendia:

W latach 1995–1996 studiował na stażu artystycznym w Banaras Hindu University w Waranasi, Indie. Jest stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (99, 08, 16) oraz wielu fundacji i instytucji, m.in.: Fundacji Pollock-Krasner z Nowego Jorku (97, 02, 24), Fundacji Laurenz z Bazylei (97), Montag Stiftung z Bonn (02, 08), CEC ArtsLink z Nowego Jorku (98), UNESCO-Aschberg z Paryża (99, 06), KulturKontakt z Wiednia (99), Fundacji Współpracy Polsko-Niemieckiej z Berlina (14) oraz Fundacji Adolph i Esther Gottlieb z Nowego Jorku (18). W 1997 roku był nominowany do Paszportu „Polityki” w tym samym roku reprezentował Polskę na IX Triennale Sztuki w New Delhi. W latach 2022-2024 oraz 2000-2003 Członek Rady Programowej, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku.

Prace w kolekcjach:

Kolekcjach Dolnośląskiego Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych, Wrocław I Muzeum Narodowego, Wrocław I Muzeum Współczesnego we Wrocławiu I Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku I Muzeum Archidiecezjalne, Wrocław I Muzeum Regionalne, Jarocin I Muzeum Ziemi Lubuskiej, Zielona Góra I Griffiss International Sculpture Garden, Rome, USA INature Art Museum, Gongju, Korea I Galerie v Přirodě, Hořice, Czechy I Kolekcja Bernheim, Clermont, USA I Kolekcja Miejska, Ma’alot, Izrael I Skulpturenpark, Katzow, Niemcy I Musèe de Sculpture Monumentale, Comblain-au-Pont, Belgia

Główne wystawy indywidualne:

2024/2023 „Obraz nie Obraz”, Galeria Miejska we Wrocławiu, MOSART – Miejski Ośrodek Sztuki, Gorzów Wielkopolski, Akademia Sztuk Pięknych – Galeria NEON, Wrocław, Biuro Wystaw Artystycznych, Kielce, Biuro Wystaw Artystycznych, Rzeszów
2021 „Maszyna czasu”, Muzeum Współczesne we Wrocławiu
2020 „Pomniki czasu/retrospektywa”, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, Muzeum Rzeźby Współczesnej
2019 „Pomniki czasu/retrospektywa”, Centrum Nauki i Sztuki, Muzeum Przemysłu i Techniki w Wałbrzychu, Stara Kopalnia
od 2016 Cztery reliefy z roku 1997 włączone do wystawy stałej „Kolekcja sztuki polskiej II połowy XX wieku i XXI wieku”, Muzeum Narodowe we Wrocławiu, Pawilon Czterech Kopuł
2016 „Sen Jakuba”, Europejska Stolica Kultury – Wrocław
2014 „Kwadratowa kopuła”, Europejska Stolica Kultury – Umeå, Szwecja
2011 „Wiek średni”, Centrum Sztuki WRO, Wrocław
2008 „Recycling Program”, Galeria „Awangarda”, BWA Wrocław
2003 „Rzeźba efemeryczna – monument relatywny”, Muzeum Architektury we Wrocławiu
1999 „Akropolis 2000”, Muzeum Narodowe we Wrocławiu
1997 „Ruchy leśne według Makbeta”, Muzeum Miejskie Wrocławia, Arsenał
1997 Imponderabilia, Państwowa Galeria Sztuki, Legnica

Główne wystawy zbiorowe:

2024 LandArt Picnic, w czterechsetną rocznicę śmierci Jakuba Böhme, GörlitZgorzelec
2023 Rytuał – Wieża Babel, Muzeum Architektury, Wrocław
2022 „Open City”, Lublin
2019 „Kolekcje” Centrum Rzeźby Polskiej Orońsko, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki Warszawa, prezentacja w Forum Muzyki we Wrocławiu
2018 „Szczurołap”, Muzeum Współczesne Wrocław, Wrocław
2017 „Мистецька праця / Art work”, Mystetskyi Arsenal, Kijów, Ukraina „Wrocław Konkretny”, Muzeum Współczesne Wrocław, Wrocław
2015 „Dzikie pola. Historia awangardowego Wrocławia”, Galeria Zachęta, Warszawa
2009 „Sculpture Space Griffiss Project Team”, Rome, USA
2008 „Blick zurück nach vorn”, Montag Stiftung Bildende Kunst, Bonn, Niemcy
2007 „Nature Scopes and Nature in Mind”, National Museum, Gongju, Korea Południowa, Ars Electronica, Linz, Austria
2006 Luleå Vinterbiennal, Luleå, Szwecja
2005 „Sense in Place”, Galeria Model Arts & Niland, Sligo, Irlandia
2003 „Kolekcja 1998-2003”, Muzeum Narodowe, Wrocław

 

Przejdź do treści